Círculo de Lectura: "Fervor por Caracas" (28/05/2016)


Conversatorio: La Gestalt en los tiempos modernos (21/05/16)


CUANDO EL CINE NOS PECHEREA


Rodolfo Izaguirre
 
No sé si a ustedes les pasa, pero cuando salgo a la calle, después de haber visto una película en la oscuridad de la sala, creo que todo es irreal: la gente, los autos, la luz de la ciudad. Me parece que nada de lo que allí veo es real porque la verdadera realidad quedó atrás, dentro de la sala, en la pantalla que se hizo blanca cuando terminó la proyección de la película.

Todas esas imágenes que acabamos de ver proyectadas se refugian en nuestra memoria y allí permanecen junto a muchas otras que forman la conciencia lúcida de esta materia de la que estamos compuestos: ese polvillo que permanece suspendido entre la luz del proyector y las imágenes del cine que, desde entonces, no cesan de agitarse y de removerse en nuestras mentes y en nuestros corazones.

El cine nos ha hecho dudar de nuestra propia realidad mostrándonos como verdadera, la ilusión de realidad que es la esencia y el fundamento de sus imágenes en movimiento y nos ha invitado a un viaje del que muchos, aun, no hemos regresado. Es lo que me ocurrió cuando entré por primera vez en una pantalla; crucé su mágico umbral y me extravié allí adentro. Voluntariamente quedé perdido en un nuevo tiempo azogado y circular, y desde el fondo de aquella pantalla descubrí que es allí donde se encuentra la verdadera vida; comencé a mirarme, a verme distinto; a considerar que el mundo real es una presencia apagada, opaca y sin gloria; que la vida que se presentaba ante mí en la pantalla del cine iba a multiplicarme porque estaría viviendo desde ese momento, intensamente, la vida del cine. Es más, doy por sentado que deben existir unos túneles secretos, unos vasos comunicantes que unen una pantalla con otra y con otra mas y por esos túneles se desplazan los personajes del cine y hay plazas y sombras y calles y árboles y fiestas y tristezas. Y yo mismo, sucesivamente, he sido vaquero y apache, gangster, espía internacional, cantante y bailarín; soldado en todos los frentes de combate, cosmonauta; amante de mujeres que estuvieron a mi lado bajo los cielos estrellados de una larga aventura. Y decidí hacer mi vida allí, dentro de la pantalla, en el ilimitado universo de la imaginación donde la realidad es mas verdadera que ésta en la que creo vivir.

El cine, para su propia gloria y para nuestro propio júbilo, inventó fronteras y líneas divisorias entre el bien y el mal; entre el amor y la muerte. Ha creado países de leyenda, caminos para evadirnos de la realidad y alcanzar regiones no contaminadas aun por la presencia humana.

Pero, déjenme advertirles sobre lo que descubrió Mariano Picón Salas: hay un crimen contra las cosas. Asesinatos microscópicos contra los buenos dones que Dios nos dio: luz, colores, plantas, greda o tierra, que realizan cada minuto las gentes insensibles e ignaras. Gritan sin necesidad; maltratan los animales, adulteran la función natural de los objetos. Su vacía ansia de pompa rompe todo ritmo, claridad y sencillez. Compadezco a aquellos seres que pasan por la vida, a veces ahitos de prosperidad y riqueza, pero sin afinar sus sentidos, sin aprender a ver, a oír, a palpar. Si toda norma o regla para alcanzar la virtud -como la del yoga o la del santo- es dificultosa para el hombre, quizás a través de los sentimientos estéticos podemos obtener no solo el disfrute de la belleza, sino también contención y elegancia moral que haga mas grata y soportable la sociedad de los hombres. Desde la cortesía para tratar a las personas hasta el arreglo de las cosas y la claridad de nuestra sintaxis.

El cine ha codificado los gestos y las situaciones de sus personajes transformándolos en prototipos: el héroe, el villano, el cobarde, el audaz, el traidor, el patriota cooperante; que antes, bajo la dictadura de Pérez Jiménez  llamábamos “esbirros”. Ha puesto en marcha una serie de aventuras por desconocidos parajes africanos; por peligrosos y malolientes callejones de Chicago; por exóticos y terroristas países islámicos. Nos ha hecho conocer el palacio del mandatario, la mansión aristocrática y el rancho de los infortunios. Hemos visto al hombre del Neardental y a María Antonieta de Francia perdiendo la cabeza bajo la guillotina y hemos asistido a guerras insólitas en las mas remotas galaxias.

En un ensayo suyo titulado La sala de cine como un templo, la socióloga Beatriz Lara refiere que desde hace años existen en las ciudades espacios sagrados, rectangulares, ocultos para muchos de ustedes que no han sabido verlos, en los que se ritualiza una nueva manera de vivir cada vez que en esos templos se proyecta una película. Beatriz Lara se refiere, desde luego, a las salas de cine. Un rectángulo con sillas alineadas como si fueran bancos y una pantalla como el altar y atrás en la cabina de proyección el proyeccionista como un oficiante.

Ver una película significa apenas dos horas de nuestro tiempo pero simbólicamente nos preparamos para un viaje hacia lo desconocido, hacia el pasado, hacia el futuro. Un viaje, incluso con gente extraña que está a nuestro alrededor, que vive en el presente pero lejos de nosotros. Un viaje hacia la imaginación, hacia la oscuridad y la muerte. Esta travesía que iniciamos cuando comienza la película podría provocarnos angustia. Por eso, secreta e inconscientemente, chupamos o masticamos alguna de las golosinas que llevamos con nosotros para el largo viaje.

Es algo simbólico; algo similar al ritual egipcio que colocaba en las tumbas provisiones para sostener el largo viaje del difunto por los desconocidos espacios de la oscuridad. También nosotros, que emprendemos una temeraria aventura por la imaginación, llevamos avíos, cosas de comer; apoyos para la travesía por las más lejanas galaxias, por las movedizas arenas del pasado o por las fulguraciones del porvenir. Travesías de las que tal vez no regresemos! Un viaje dificultoso, lleno de imprevistos y sorpresas en el que uno no puede detenerse a cocinar o a digerir alimentos y por eso llevamos en estas nuevas alforjas una comida liviana, práctica, fría, variada. Cotufas, chocolates, refrescos. Pero en muchos casos puede ocurrir que al comer mientras visionamos una película solo buscamos distraernos. De hecho, ¡es lo que hacemos habitualmente! Pero si nos detenemos a pensar, si en verdad nos disponemos a leer y sentir lo que se está proyectando y no tragar tantas cotufas contribuiremos a dignificar el espacio sagrado que debe ser para nosotros el lugar donde ritualizamos este glorioso milagro no solo de vivir en el cine sino de viajar fuera de nosotros mismos hacia las mas altas y desconocidas regiones de la aventura…!

Voy a referirme a La fiesta de Babette. Una mujer francesa, chef de un restaurante en París, perseguida política se refugia en una remota aldea de Jutlandia, Dinamarca. Durante catorce años sirve de criada a dos señoritas muy ancianas hijas del difunto pastor de la comunidad. Un día gana diez mil francos en la lotería e invierte esa pequeña fortuna en una cena para los aldeanos temerosos de pecar por degustar una comida distinta a la que están acostumbrados Uno de los mayores méritos de La fiesta de Babette,1987, basada en un cuento de Isaac Dinesen, pseudónimo de la escritora Karen Blixer, es el de que nunca antes habíamos degustado visualmente y con tan cultivado sibaritismo la sopa de tortuga servida con amontillado y jerez; los Blinis Demidoff, unas tortas de trigo sarraceno rellenas de caviar y crema agria servidas con champaña de la viuda Cliquot; codornices en sarcófago hojaldradas con foie gras y salsa de trufas servidas con Clos de Vought Pinot Noir, 1875, uno de los vinos mas exquisitos; Savarin au rhum, bizcocho al ron con higos y cerezas confitadas servido con vino Sauterne; quesos y frutas frescas y café con coñac Luis Trece de Remy Martin.

La fiesta de Babette reveló una lectura más generosa e iluminada de los Evangelios a aquellos taciturnos campesinos daneses, puritanos, en la región mas alejada de Jutlandia en el siglo 19, acostumbrados a comer solamente arenques ahumados. Lo que la película quiso decirnos es que Dios también está presente en las exquisiteces de una mesa bien servida; que Dios está en el amontillado y en la champaña. Es un ejemplo que dio el cine de educación por el arte.

De la misma manera los espectadores de El Pez que fuma, 1997, de Román Chalbaud, a medida que se van enalteciendo sus niveles culturales o de percepción van entendiendo que se trata no solo de la historia de un prostíbulo, sino de una empresa cuya clientela es muy variada; que hay tráfico de drogas y de influencias; que hay una lucha por ser el favorito de la Madama del burdel, es decir, una lucha por el poder; que toda la música que se escucha en la película es la que se podía oir en las rockolas y en los comederos de las carreteras y los espectadores terminan descubriendo que el burdel llamado El pez que fuma no es otra cosa que una alegoría; la imagen de un país. ¡Otra manera que ofrece el cine de revelar por el arte el país que somos!

Hay películas que tratan de hacer reflexionar al espectador. Son las llamadas películas de autor. Es decir, películas en las que el autor muestra, expresa su propio universo interior, su propia concepción del mundo. Películas de las que se puede acuñar el calificativo de chaplinesco, buñuelesco, antonionesco, felliniano... ¡Películas que hacen pensar!

Pero, contrariamente y durante largas décadas Hollywood aplicó en sus películas una fórmula de su invención que aseguró el éxito comercial que le conocemos. Los ingredientes de esta pócima siguen siendo los mismos: sexo, violencia y un par de estrellas suficientemente atractivas. A este cocktail se agregan un toque de color, una pantalla panorámica o cinemascópica, unos gratos ambientes y unos estupendos decorados.

Hollywood demostró que era capaz de producir películas que fascinaran a los espectadores en cualquier lugar del mundo. ¡Inventó el cine como espectáculo! Esta manera de fabricar un producto cinematográfico en serie pudo ilustrarse, en su momento, con una anécdota difundida por muchos directores que trabajaban en Hollywood. (Directores, no Autores) El productor llama al director para que haga una película con Dorothy Lamour, pongamos por caso. La película debe estar ambientada en una exótica isla del Pacífico.

“Presente tres escenas de amor”, dice el productor al director. “No me interesa la trama. Quiero que hayan tres escenas de amor; que el título de la película sea ‘Ave del Paraíso’. Búsquese una buena canción y haga que Dorothy Lamour se lance, al final de la película, en un volcán en erupción!”

El director de la película busca a un guionista para que  invente la absurda historia de una princesa nativa que viola la leyes de la tribu por el amor de un guapo norteamericano y se sacrifica, al final, tirándose de cabeza en un volcán de cartón piedra.

Si la película tiene éxito (¡que lo tiene!) se organiza entonces la producción en serie. No otra cosa fue lo que hizo Dorothy Lamour cuando se exhibió vistiendo un pareo tahitiano por todas las islas de una inventada Polinesia hasta agotar el tema del sacrificio y los volcanes. Después se inventaba y se exprimía otro tema hasta convertirlo en bagazo, como al vaquero,  y así sucesivamente hasta la fecha actual de Arma mortal o de Las chicas de Charlie.

Las reglas que dictó alguna vez el director de cine Preston Sturges para una comedia comercial de éxito siguen vigentes: “Una chica guapa es mejor que una fea. Una pierna es mejor que un brazo. Un dormitorio es mejor que una sala. Una llegada es mejor que una partida. Un nacimiento es mejor que una muerte. Una persecución es mejor que una conversación. Un perro es mejor que un paisaje. Un gatico es mejor que un perro. Un bebé es mejor que un gatico. Un beso es mejor que un bebé. Que alguien se caiga de culo es mejor que todo lo demás”.

En los años veinte Erich von Stroheim dijo: la diferencia entre Ernest Lubitsch y yo es que él muestra al rey primero en el trono y después en el dormitorio. Yo, primero le muestro a la gente al rey en la cama. Después, cuando más tarde lo ven en el trono, ya no se hacen ilusiones sobre él”. (Habrá que tomar esto en cuenta cuando se haga un film, si es que se hace, sobre algún reyezuelo venezolano).

Hay quienes se han dedicado a cambiar la vida creyendo que al hacerlo cambiaban la sociedad. Yo descubrí que el cine es capaz de simplificar mis circunstancias de vida hasta alcanzar la inmensa explosión existencial que destruye a su paso toda la podredumbre de lo habitual, de lo convencional, del "no". La liberación del lenguaje en las artes plásticas se debe a hombres como Marcel Duchamp, para mencionar solo a uno, y esta liberación del lenguaje abrió también las puertas para la liberación de las imágenes. Las libres asociaciones de imágenes, los acercamientos insólitos, la aproximación de dos (o más) elementos aparentemente extraños entre si en un plano ajeno a ellos mismos como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas en un mesa de disección descubierto por los surrealistas, provoca las explosiones poéticas más espectaculares. De la misma manera, los mecanismos que accionan las sucesión de acontecimientos inesperados, los contactos de elementos que dan nacimiento a lo imposible, pertenecen al campo del cine.

¡El cine nos ofrece la gran aventura! Rompe o trastorna los fundamentos de la sociedad para instaurar la libertad. Nos ofrece esta posibilidad subversiva, desestabilizadora de lo convencional y de lo cotidiano; nos permite superar la gris existencia sin misterios que nos arrastra en el paso de nuestros días siempre iguales y uniformes. El arte puede hacernos libres. Pero el cine puede hacer que conquistemos la libertad a través de lo insólito y de lo maravilloso! El cine puede cumplir satisfactoriamente esta tarea liberadora. Puede convertirnos en héroes de nuestra propia existencia.

Hay una película del japonés Akira Kurosawa llamada Ikiru, (Vivir). ¡Búsquenla y véanla, ¡por favor! porque siendo una película japonesa, trata sobre nosotros! Japón salió derrotado y deshonrado de la segunda Guerra Mundial. El emperador Hirohito, por culpa de los militares fascistas, perdió en vida su carácter divino. El país japonés necesitaba de héroes civiles, no militares. Y es cuando aparece Watanabe, un oscuro concejal al que los médicos le han diagnosticado seis meses de vida a causa de un cáncer. Watanabe trata de pasar esos últimos momentos frecuentando bares de alterne, aturdiéndose con las chicas, pero se da cuenta que tiene que emplearse en algo mas digno y concentra todos sus esfuerzos en convencer a los concejales a vencer la burocracia y construir el parque infantil de su comunidad. ¡Lo logra! Y al final, Watanabe, meciéndose suavemente en el columpio del parquecito que él hizo posible, muere bajo la nieve mientras canturrea una canción. Si leemos bien esta película japonesa de 1952 ella puede hacerle ver al venezolano en la hora actual una manera de rescatar la heroicidad y la dignidad que hemos perdido sin caer en el conformismo de la virtud o de la resignación.

Ahora bien, toda reflexión sobre el cine conduce, inevitablemente, a una paradoja. Este arte, que se consideró durante décadas como mudo, habla hoy más que ningún otro arte. Es el arte del movimiento pero es también el mejor testimonio de lo inmutable. Hace de la ilusión su propia ley pero la realidad es su campo, su materia y su modelo. Es un arte colectivo, no lo hace un sola persona y sin embargo es el más individual que pueda existir. Es un espectáculo pero es también una escritura, un lenguaje, un código a veces secreto; y como diversión popular reserva justamente esos secretos sólo a un pequeño grupo de cinéfilos y conocedores. Requiere de mucha luz para hacerse pero tiene que proyectarse en la oscuridad.

Son contradicciones del cine, pero hay otras que se refieren al cine como arte y como industria. La película puede ser una obra de arte, pero se compra y se vende porque ella se activa dentro de la larga tradición de la economía mercantil. Puede ser una obra maestra, pero para saberlo hay que hacerla primero y hacerla cuesta mucho dinero. Se concibe para ser vista por millones de personas en el mundo pero la verdadera comunicación que logra establecer se produce a niveles absolutamente individuales. El espectador que está a mi lado durante la proyección de la película no existe y la bella y opulenta actriz al desnudarse en la pantalla lo hace solo para mí, para mi propio deleite. Se trata de una comunicación no con el yo del espectador sino con ese otro “yo” que existe agazapado en lo más profundo de la conciencia. Se le considera el séptimo arte pero hay muchos que prefieren el octavo que es el de hacer mucho dinero con el séptimo. Un crítico italiano llamado Ricciotto Canudo fue el primero en considerar al cine como un arte. En las primeras décadas del siglo 18 dividíó el arte en dos grupos: de la Arquitectura se derivan la Pintura y la Escultura, artes del espacio. De la Música, se derivan la Poesía y la Danza, artes del tiempo. El vacío entre las artes del tiempo y del espacio, lo viene a llenar el cine. De alí que lo llamara el Séptimo Arte. ¡Perdónenme esta lección tan elemental”

Además, el cine es !movimiento! No se detiene nunca. Todos conocemos el extraño malestar que se apoderó de nosotros cuando la imagen del Ché Guevara muerto nos mira al final de   La hora de los hornos (1968) del argentino Fernando Solanas porque pareciera estar vivo! ¡Muerto pero vivo (como corazón de patria, antes de convertirse en pajarito!)! De allí que la regla básica y fundamental del cine es que se mueva.

¡No es capricho de los cineastas! Es que el cine no puede soportar lo que dura. Es precíso moverse constantemente de un fotograma a otro; cambiar de lugar; trasladarse a otra escena. Un espectador de cine jamás soportará que los personajes queden inmóviles en un solo sitio. En el teatro el mecanismo es distinto. Los actores están allí y cuando se levanta el telón generalmente están inmóviles. Esto hace que los espectadores se coloquen en una situación de espera. La escena teatral muestra al señor de la casa que está leyendo el periódico. Se abre una puerta y entra el criado trayendo una carta. Esto permite las primeras réplicas del diálogo.

En el cine se desarrollaría de la siguiente manera: el criado abre el buzón, saca la carta, sube la escalera y atraviesa varios aposentos. La cámara se fija en la carta sobre la bandeja. La música hace presentir que se trata de alguna desgracia o un mensaje festivo. Se abre una puerta, entra el criado y entrega la carta.

Por eso en la pantalla lo inmóvil no llega nunca a ser convincente.

Pero ¿qué es lo que el cine hace generalmente con nosotros?

Nos acorrala en la penumbra de una sala y allí nos pecherea; nos da bofetadas y sentados en nuestras butacas, aislados unos de otros, inermes, atrapados por la gloria de estas fulgurantes imágenes en movimiento, aprovecha y escudriña los sombríos rincones de nuestras almas y nos hace llorar y nos hace reir y nos aterroriza con toda clase de engendros y enviados diabólicos, aliens y monstruos acromegálicos y nos hace víctimas de todos los psicópatas homicidas que pululan por las pantallas. Nos atropella con sus explosiones y efectos especiales. Golpea nuestros sentidos y no nos deja reflexionar.

¡Pero nos gusta...! Nos deleitamos con los vómitos satánicos de Linda Blair en El Exorcista; nos estremecemos cuando Sigourney Weaver se enfrenta a los abominables parásitos que se incuban en los colonos de un planeta perdido. Vemos a Drácula chupar las gargantas de sus víctimas. Nosotros no andamos chupándole la sangre a ninguna muchacha desprevenida. Sin embargo, nos deleitamos convocando por las noches a los muertos en vida, vampiros sedientos de sangre y zombies ávidos de carne humana. Porque nacimos, nos formamos, hemos crecido dentro de una cultura del terror político y de la violencia social. Pareciera también que el hombre de este tiempo no quiere la verdad; quiere la diversión, el espectáculo.

De allí la importancia de estas discusiones sobre ver, oír y leer el arte para percibir, sentir y pensar mejor porque hay autores cinematográficos que nos ayudan a sentir y reflexionar; nos ayudan a entender el arte como vida.

El automóvil donde van Mel Gibson y Danny Glover en Arma letal atraviesa a toda velocidad el piso de oficinas, revienta las paredes y las ventanas a tres pisos de altura, cae en la vía rápida de la autopista y continúa la persecución de los bandidos. ¡Esto no es posible! No es posible que el héroe salte por el aire en la explosión y continúe vivo; que la balacera no lo toque o que sobreviva a las palizas! Mi hermano José Luis, que era médico, me dijo que una de esas palizas que se dan en el cine ameritan al menos tres o cuatro meses para reducir fracturas y mantener hospitalizado al paciente.!
La verdadera violencia vive ¡fuera del cine!

Pero el cine también puede hacernos reflexionar sobre la violencia. En la película de Mariana Rondón: Pelo malo, la violencia entre la madre marginal y su hijo adolescente es brutal, pero ella jamás toca al muchacho. Mariana logró expresar la violencia del propio país. Este es un estupendo ejemplo de cómo el cine nos hace ver y sentir algo impalpable pero al mismo tiempo, tangible.

El cine sabe reir mientras pasan los comediantes haciendo gestos y volteretas de circo o perseguidos por una ridícula policía. Pero también sabe llorar y angustiarse ante la muerte en la guerra  y ante el horror anudando un hilo trágico en torno a las víctimas de los desastres. Es entonces cuando saca, al final, su famoso pañuelo de encaje y se seca las lágrimas para complacer a los espectadores. Sabrina (Audrey Hepburn), la hija de chofer se casa con el multimillonario Linus Larrabee, Humphrey Bogart; el soldado regresa del frente; el héroe recobra la libertad. El drama se transforma en un universo rosado, y algunos espectadores dicen: "Sí. ¡son cosas que pasan en el cine!" y regresan tranquilos a sus casas conscientes de que el drama que ha cruzado por las pantallas es apenas un soplo amargo y pasajero; que la violencia desatada por Bruce Willis como John McTiernan en Duro de Matar, o de Arnold Schwarzenegger como Terminator o Mel Gibson como Martin Riggs en la saga de Arma mortal no es lo que parece ser... Son cosas del cine!

Pero el cine puede ayudarnos ¡y mucho! a ver, a oir, a sentir y a leer el arte. Puede hacernos pensar¡ Porque es el cine! ¡Porque hay autores ciematográficos! ¡Porque es este apasionante universo de ilusoria realidad poblado de imágenes fantasmales proyectadas sobre una pantalla en la penumbra de una sala!

Y ¡porque es mi vida! ¡Mi vida bajo el cielo estrellado de la portentosa aventura del arte y del pensamiento!


El mapa del libro iberoamericano nace en la web

El CSIC crea la plataforma en Internet que recoge las historias de editoriales y editores desde el siglo XIX hasta hoy

WINSTON MANRIQUE SABOGAL
Madrid 6 MAY 2016

Una editorial que florece solo por un par de años en México y otra que se resiste a desaparecer en Madrid. Una colección de libros que sobrevive en Buenos Aires y aquella que triunfa en Bogotá. Unos editores renuevan el panorama del sector; otros son recordados por haber creado las bases en Barcelona, Gijón, Valparaíso, Sao Paulo… Y luego están los anónimos o poco conocidos de Quito, Sevilla o Bilbao.

En estos tiempos de cuestionamiento, desvalorización y/o dudas sobre el valor de los prescriptores, en los que se homologa la opinión del experto con la del público en general alentados por la Red, surge Editores y Editoriales Iberoamericanas (siglos XIX y XXI) - EDI-RED. Es un portal digital y al mismo tiempo el primer mapa del sector en español, euskera, gallego, catalán y portugués. Registra la biografía de los sellos, sin importar su duración ni el lugar donde fueron creados, así como las semblanzas de quienes los fundaron con algunos vídeos y audios. El resultado es un retrato/radiografía del ciclo de la vida de la bibliodiversidad del libro y una reivindicación del papel del editor “como un elemento esencial de uno de los ecosistemas clave de la historia cultural de un país y su influjo en la sociedad”, según destaca Valeria Ciompi, editora de Alianza.

EDI-RED, que así se le conoce, es un proyecto en marcha promovido por el Grupo de Investigación Cultura, Edición y Literatura en el Ámbito Hispánico (GICELAH) delCentro de Ciencias Humanas y Sociales del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC)y apadrinado por la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, donde está alojado el portal. “Queremos crear conciencia del valor patrimonial de los editores y de los sellos. Queremos ser un repositorio y trascender la mera investigación y dar cuenta de la diversidad del libro”, explica Pura Fernández, responsable del proyecto.

El renacer de los editores

“El mundo del libro sintetiza el conjunto de valores de la sociedad iberoamericana”, añade Antonio María Ávila, director ejecutivo de la Federación de Gremios de Editores de España.

Tras estudiar el arco editorial de estos dos siglos y observar los efectos de la revolución digital en un sector cargado de incertidumbres, Pura Fernández afirma que “ahora más que nunca se necesita la función del editor”. “En un momento de tanta información, desorden y caos”, continúa, “su figura es indispensable para discernir el grano de la paja. Su función se ha reforzado porque debe prescribir. Su aval sigue funcionando”.

Los expertos consultados reconocen el valor de las opiniones vertidas en la Red y fuera de ella, al tiempo que recomiendan que si alguien busca una voz válida, seria o especialziada lo mejor es recurrir al experto reconocido, al prescriptor. “Y un editor es eso, alguien que ya ha hecho una criba, un primer filtro en la selva de las novedades”, dice Fernández. Ciompi no imagina un mundo del libro sin los editores. “Es un trabajo no siempre reconocido por el público pero fundamental para el buen resultado y mejor calidad, tanto por su relación con el autor como por ser el mediador con el lector”.

¿Y las autoediciones? Fernández admite la importancia de su presencia, pero explica que se trata de una estrategia para llamar la atención de los editores. “La unidad canónica sigue siendo el libro de papel bajo un sello más o menos conocido”, afirma la investigadora del CSIC.

Aunque parezca contradictorio, cada día surgen más editoriales, y cobran de nuevo vigencia las palabras de Hermann Hesse: “En la adaptación y en la resistencia crítica se sintetiza la función del joven editor”.

UNA MEMORIA DE DOS SIGLOS

El mundo de Editores y Editoriales Iberoamericanas (siglos XIX y XXI) - EDI-Red se abre con 150 entradas, pronto serán 600. Y así hasta dar cuenta de todo signo de vida editorial nacido en ese periodo, lo cual lo convierte en un trabajo perpetuo, sobre todo porque no paran de aparecer editoriales en papel y digital. El proyecto nació hace unos 15 años y ahora trabajan en él alrededor de 200 personas de iberoamérica, Estados Unidos y países donde se haya creado un sello que haya publicado en alguna de las lenguas del proyecto.

“Es una conservación de la memoria de la edición, el motor de los vínculos culturales dentro del mundo hispanoamericano”, recordó Santiago Miralles, director de Casa de América de Madrid, donde se presentó la web. Pilar Reyes, de Alfaguara, lamentó la situación de algunos archivos de editoriales, pero que ahora serán ordenados.

Pura Fernández, responsable lde proyecto cuenta que en 2012, en el marco del convenio de colaboración entre la Fundación Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes y el Consejo Superior de Investigaciones Científicas decidieron abordar esta propuesta: "Ha sido una ONG cultural que hemos sacado adelante como un proyecto voluntarista y colaborativo. En el marco de la crisis, y gracias sobre todo al Taller Digital de la Cervantes Virtual y a varias universidades que han colaborado con un sistema de estudiantes en prácticas, lo hemos llevado a cabo. También con el reconocimiento del Ministerio de Economía y Competitividad".

EDI-RED rescata, además, cuenta Fernández, la labor de editores que a raíz de la emigración o del exilio establecieron sellos literarios al otro lado del Atlántico, cuando Argentina y México, a raíz de la Guerra Civil Española, "se convirtieron en la cuna y el impulso de la edición literaria en castellano, también en catalán: Gonzalo Losada, Manuel Olarra, Antonio López Llausás, José Venegas, Joan Merli, Francisco Porrúa. También rescatamos las figuras de los escritores que desempeñaron relevantes tareas de asesores editoriales (se pueden consultar ya las que cito): Juan Ramón Jiménez, José Bergamín, Emilia Pardo Bazán, Guillermo de Torre. Escritores que son editores: Manuel Altolaguirre, Javier Marías (Reino de Redonda) o Andrés Trapiello (Trieste). Nos interesa además destacar la desconocida labor de las editoras, que a menudo son escritoras: Concha Méndez, Concha Lagos, Beatriz de Moura, Esther Tusquets, Rosa Regàs, etc., pero también las desconocidas empresarias del XIX: Faustina Sáez de Melgar, por ejemplo".

Como complemento necesario de esta sección, en la Videoteca asociada a este portal se podrán consultar las Voces de la edición a través de entrevistas originales a editores contemporáneos (ahora hay 20 vídeos y en proceso de edición otros 18, y seguimos grabando). También la Fonoteca, donde se recuperan entrevistas digitalizadas hechas con anterioridad, como las Jaime Salinas u Oriol Maspons (el célebre creador de las rompedoras cubiertas de Biblioteca Breve). A medida que tengamos financiación, ampliaremos la oferta, que ya empieza a tener frutos en los grupos de América Latina. (grabaciones de editores).

Colaboración: Alfredo Schael


Los acontecimientos políticos que comienza a vivir el país a partir de 1999, si bien le preocupan hondamente, no lo toman por sorpresa. Al menos desde el principio de la década de 1980, con su conocimiento de la historia, su sagacidad y bien entrenado olfato político, tuvo plena conciencia del progresivo deterioro del sistema vigente desde 1958 y de los riesgos posibles si no se aplicaban los correctivos necesarios. En muchas entrevistas y declaraciones a la prensa, en foros y conferencias, había manifestado sin alarmismos inútiles pero con claridad e insistencia sus inquietudes respecto a la crisis institucional, la pérdida de representatividad y de conexión de los partidos con la sociedad y la corrupción administrativa como graves dolencias que debían ser atendidas con urgencia antes de que fuera demasiado tarde. Notaba el profundo desequilibrio o desencuentro entre una sociedad diferente, que había cambiado de manera sustancial, con otras características y nuevas necesidades, y un sistema político que permanecía casi in-alterado e incapaz de dar respuestas efectivas. La dedicación con que se abocó a promover e impulsar la Reforma del Estado a través de la COPRE, su prédica constante a favor de la descentralización administrativa, la desconcentración del poder, la renovación y cambio de las instituciones y la necesidad de rescatar la quebrantada moral pública, fue el producto de ese firme convencimiento que tropezó no pocas veces con la barrera del sectarismo partidista, los intereses creados, el egoísmo y las visiones de corto alcance de muchos dirigentes. Los avances logrados, si bien fueron importantes no fueron suficientes. A raíz del fracasado golpe de Estado del 4 de febrero de 1992, comentó a un grupo de amigos en su oficina del Congreso que los demonios del militarismo, encerrados después de la lucha de varias generaciones, se habían soltado de nuevo y que haría falta mucho tiempo y sacrificios para volverlos a encerrar. Con todo, su visión del futuro nunca fue pesimista, si bien admitía, como dijo a los autores de este libro, que el "tejido democrático se había ido debilitando", y que los nuevos gobernantes mostraban "gran capacidad para destruir y no para la labor constructiva", tenía confianza en la conciencia social predominante. Ante el retorno del caudillismo y de las tendencias autoritarias, anteponía la capacidad con que esa misma sociedad había sabido superar largas épocas de atraso y decadencia en todos los sentidos hasta construir una nación moderna y pujante. Conservaba esperanzas en la juventud estudiosa y trabajadora que no abandonaba el país y se preparaba para el futuro y en el papel tan importante que en la familia y la vida pública jugaban las mujeres. Obviamente, en su caso no se trataba de un optimismo ciego e iluso, sino de una apreciación lúcida amparada en el conocimiento a fondo de las circunstancias y avatares de nuestra agitada historia republicana. El fallecimiento de su hijo Ramón Ignacio, el 29 de mayo de 2008, y el de su esposa Ligia, apenas mes y medio después, el 14 de julio, fueron dos duros golpes anímicos que sufrió y asimiló con dolor. Con su esposa, persona ajena a la figuración pública, de carácter fuerte y convicciones propias, compartió casi 60 años plenos de paz y satisfacciones, pero también, momentos de dificultades y hasta de peligros como los vividos durante los 10 años de dictadura militar. Afirma su hijo Gustavo Luis que, al morir Ramón Ignacio, vio llorar a su padre por primera vez. Asimismo, la desaparición de viejos y buenos amigos con quienes había transitado importantes fases de su vida, como Eduardo Mendoza Goiticoa, Óscar Yánez, José Agustín Catalá, Luis Herrera Campins, Rafael Caldera y Simón Alberto Consalvi, sacudió con fuerza su espíritu.
Los años finales Ya rebasados los 90 años largos, comenzó su declinación fisica, tenía dificultades para el movimiento y poco a poco fue perdiendo la audición y la vista, esta última indispensable para la gran afición de su vida: la lectura. Aun así, con la ayuda de su abnegada asistente, Betulia Alviárez, tachirense de Capacho, continuó llevando su vida habitual: desde muy temprano se ponía al día a través de internet. Ella le hacía un recorrido por la prensa nacional e internacional, y naturalmente, por la del Táchira. Después respondía cartas, dictaba prólogos y presentaciones de obras y atendía con su amabilidad característica, múltiples consultas de estudiantes y jóvenes investigadores. Siguió aceptando entrevistas periodísticas y ofreciendo declaraciones. Varios reportajes en video tuvieron como escenario el porche o el recibo de la quinta "Regina" en Altamira. Haciendo gala de una memoria prácticamente intacta que asombraba a sus interlocutores, relataba con detalle diversos aspectos de su vida y carrera política e intelectual o enjuiciaba con su sindéresis acostumbrada períodos, situaciones y personajes históricos. El arribo a los 95 años no pasó inadvertido, como tampoco había ocurrido con aniversarios anteriores. Aunque cada vez salía menos y ya no participaba en actos públicos, asistió al cálido y muy concurrido homenaje que le ofreció la revista El Desafío de la Historia en cooperación con el Instituto de Estudios Superiores en Administración (IESA), en mayo de 2011. En este reconocimiento intervinieron los académicos Crisanto Bello, Asdrúbal Baptista y Elías Pino Iturrieta. Como en sus mejores tiempos, el discurso de cierre de Ramón Jota -todo un alarde de memoria y coherencia- se prolongó por algo más de una hora. Otro homenaje emotivo y de mucha significación fue el de la Academia de la Lengua. Esta vez el acto se hizo en su casa, adonde se trasladó la directiva de la Institución presidida por Francisco Javier Pérez. El recibo de su residencia también se convirtió en escenario teatral cuando la Fundación Herrera Luque le obsequió el montaje de la obra "Diógenes y las camisas voladoras", del escritor y actor Javier Vidal, recreación del drama vivido casi 70 años antes por el frustrado candidato presidencial, Diógenes Escalante, y del cual, como sabemos, Ramón Jota fue testigo y actor secundario. En las tardes era habitual la presencia de visitas a las que seguía atendiendo sentado en su sillón predilecto de la sala, mientras enfatizaba las palabras con el gesto acostumbrado: balanceando hacia adelante y hacia atrás el dedo índice de la mano derecha a la altura de su rostro. Con las infaltables corbatas de diseños discretos, los zapatos negros lustrados y ataviado con su atuendo preferido: trajes formales de grueso paño, perfecto corte y diversos tonos de gris. Varias veces a la semana recibía la visita de sus hijos José Rafael y Gustavo Luis, con quienes departía por horas. Temprano en la mañana atendía diariamente la puntual llamada desde el extranjero de su hija Regina Esther. Los domingos, la casa se convertía en sitio obligado de reunión familiar. La declinación física se fue acentuando. Por largos ratos se quedaba sentado en silencio en el comedor. En alguna oportunidad pidió que le trajeran el estuche con los símbolos presidenciales y por un rato estuvo mirándolos en silencio, como si cavilara sobre su significación más profunda. Tal vez reflexionaba sobre tantas conmociones y tragedias que el país había vivido por la ambición de algunos por ostentarlos. Dos o tres veces repitió a su asistente Betulia Alviárez, que si de algo estaba orgulloso era de no haber robado. En junio de 2014 estuvo varios días hospitalizado a causa de problemas respiratorios. Después de volver a casa, falleció al amanecer del día 24. La noticia se difundió de inmediato a través de la radio, la televisión e Internet. Al día siguiente, la prensa escrita dio cuenta del hecho luctuoso. Inspirado en un artículo escrito por Simón Alberto Consalvi en 1987, El Nacional tituló: "Murió el hombre que más amigos tenía", frase acertada que dice mucho de su proverbial bonhomía y don de gentes, y que pesa más que las críticas acerbas y los comentarios maliciosos de sus enemigos, que aunque pocos, también los tuvo. No por pura coincidencia, sino porque siguió con dedicada atención toda su trayectoria, fue el mismo Consalvi, uno de los más constantes y cercanos entre tantos amigos, quien definió a Ramón J. Velásquez como "hombre de Estado", y lo razonó así: "Ser político es algo diferente a ser hombre de Estado. Ser hombre de Estado implica, a su vez, ser también político: tener una visión general de la sociedad y de los factores en juego. Presupone algunas condiciones indispensables: conocimiento del país y de su gente, del proceso histórico, de las constantes que lo vertebran, las posibilidades y los rumbos. Requiere además, y de manera esencial, un compromiso permanente".
Texto tomado de la biografía escrita Catalina Benko y Ramón González Escorihuela. Publicación de Libros de El Nacional y la Fundación BanCaribe para la ciencia y la cultura. Caracas, abril de 2016.

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